Architettura Etrusca (dal VII secolo a.C. al I secolo a.C.)

La civiltà etrusca si sviluppò principalmente nell’Italia centrale, in particolare in Toscana. Questo è il motivo per cui qui è possibile trovare il maggior numero di esempi di architettura etrusca. Volterra, Populonia e Vetulonia sono tra le città più rappresentative di questo periodo. Qui possiamo trovare diversi esempi di architettura etrusca, come tombe (le case erano fatte di legno), archi (l’arco fu inventato dagli etruschi) e anfiteatri.

Architettura Greca Classica

Il sud Italia e la Sicilia, in particolare, ospitano l’architettura greca classica. Agrigento, Siracusa e Taormina custodiscono i principali esempi di questo stile architettonico. Ma è possibile trovare altri luoghi interessanti anche nella penisola, ad esempio in Campania, a Paestum. I templi sono tra gli esempi più tipici dello stile greco, con le loro eleganti colonne sormontate dal “tympanum” sulla facciata. Ci sono tre tipi di questi templi: dorici, ionici e corinzi.

Architettura Romana Antica (dal I secolo a.C. al V secolo d.C.)

Ci sono molti esempi architettonici del glorioso periodo dell’Antica Roma in Italia. Troverete templi, anfiteatri, arene, le mura di molte città e le bellissime ville romane. Le molte strade costruite dalla civiltà romana sono ben conosciute, tanto da dar vita al famoso proverbio “tutte le strade portano a Roma”. E ci sono anche molti acquedotti in tutta Europa. Alcuni dei principali esempi di architettura romana in Italia sono il Colosseo, il Foro Romano, il Pantheon, la città di Pompei e l’Arena di Verona.

Periodo Medievale: Stile Bizantino (VI-VII secolo d.C.)

All’inizio del IV secolo d.C., l’Imperatore Costantino fu protagonista di due eventi fondamentali. Con l’Editto di Milano, rese ufficiale la religione cristiana, creando le condizioni per la nascita di una nuova arte. Il secondo fatto che segnò una svolta nella storia dell’architettura fu il trasferimento della Capitale dell’Impero da Roma a Bisanzio. Questi eventi diedero impulso alle nuove tendenze che presero il nome di arte bizantina. Le grandi differenze rispetto all’arte romana si iniziarono a trovare solo tra il quinto e il sesto secolo d.C., quando la caduta dell’Impero Romano d’Occidente nel 476 creò una vera discontinuità nelle tendenze artistiche del tempo. L’architettura fu influenzata dallo stile bizantino e si caratterizzò per la costruzione di chiese con archi a tutto sesto, non solo nelle grandi città, ma anche nei villaggi di tutto il paese.

Periodo Medievale: Stile Romanico (dal X al XIII secolo)

Dal mezzo del VI secolo fino all’anno 1000, con il dominio dei Barbari, l’Europa visse un periodo oscuro. L’economia declinò, si ebbe un’agricoltura di autosufficienza e le funzioni politico-amministrative delle città scomparvero completamente. Anche l’architettura ne risentì. Solo dopo il decimo secolo vi fu una ripresa economica, che portò a uno sviluppo rivitalizzato delle città, contribuendo al revival architettonico. Lo stile romanico divenne il più diffuso in Europa, riprendendo le tecniche architettoniche già praticate dai Romani, in particolare la costruzione delle volte a crociera.

Architettura Italiana: Periodo Gotico (dal XIII al XVI secolo)

I popoli del Nord Europa si distinsero per essere grandi costruttori di cattedrali. Hanno il merito di aver introdotto la tecnica costruttiva che ha permesso allo stile romanico di evolversi nello stile gotico. La svolta decisiva in questa evoluzione fu l’introduzione dell’arco acuto. Rispetto all’arco a tutto sesto, l’altezza dell’arco acuto non è proporzionale alla larghezza della volta, ma può assumere dimensioni diverse. In generale, l’altezza è superiore alla metà della sua larghezza. Lo stile gotico è caratterizzato anche dall’uso di sculture più elaborate, come le guglie, finestre più grandi e altre influenze dell’architettura moresca.

Architettura Italiana: Periodo Barocco (XVII e XVIII secolo)

Alla fine del XVI secolo, l’era del Rinascimento giunse al termine e l’architettura divenne barocca. Nel concetto barocco, la struttura e l’aspetto dell’edificio erano due concetti separati. La struttura obbediva alle sue necessità e alla sua logica, mentre l’aspetto veniva ottenuto con decorazioni che venivano aggiunte in seguito, utilizzando marmo e stucco. Era una sorta di rivestimento dell’edificio, completamente estraneo alla sua funzionalità. L’architettura barocca non cercava di migliorare il senso estetico e proporzionale della struttura, ma di suscitare la meraviglia dell’osservatore, di conferire un senso di ricchezza e preziosità. Gli spazi urbani erano concepiti come scenografie teatrali in cui si potevano trovare edifici ma anche fontane, scale, monumenti e molto altro ancora.

Il più illustre esponente del Barocco è considerato Michelangelo Buonarroti, e Roma è la sua culla. Alcune delle espressioni più intense dell’arte barocca si trovano in tutta Italia, ad esempio nella Cattedrale di Santa Maria Assunta a Lecce, nella Cattedrale di Lecce, nella Cattedrale di Siracusa, nella Papal Archbasilica di San Giovanni in Laterano a Roma, nella Cattedrale di San Pietro in Vaticano, nella Basilica di Santa Maria Della Salute a Venezia e nella Chiesa dell’Immacolata Concezione a Palermo.

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Dove andare per prima cosa quando si viaggia in Sicilia

Ah, la Sicilia! Un gioiello del Mediterraneo che non dimenticherete mai! È una terra di miti e leggende, storia e sole che vi farà battere il cuore. Quando pianificate il vostro itinerario, assicuratevi di mettere Agrigento in cima alla vostra lista. Questa pittoresca città ospita la magnifica Valle dei Templi, patrimonio mondiale dell’UNESCO, che mette in mostra il meglio dell’architettura e dell’arte greca antica. Passeggiate tra le rovine del Tempio della Concordia, del Tempio di Giunone e del Tempio di Ercole e lasciatevi trasportare dalla magia del luogo. Poi raggiungete la bella spiaggia della Scala dei Turchi, a breve distanza in auto. Questa scogliera bianca naturale che si tuffa nel mare turchese è uno dei luoghi più degni di Instagram in Sicilia. Fidatevi di noi: una visita ad Agrigento farà partire il vostro viaggio con il piede giusto.

La Sicilia è famosa per l’arte

Una terra di storia e bellezza, le cui strade e paesaggi sono da tempo fonte di ispirazione per artisti di ogni genere! Dai pittori ai registi, la Sicilia ha dato i natali ad alcune delle menti più visionarie dell’arte, che a loro volta hanno immortalato le meraviglie naturali e il patrimonio culturale dell’isola attraverso le loro opere. Basti pensare alle realistiche rappresentazioni di scene religiose di Caravaggio, immortalate nelle chiese barocche di La Valletta. O all’epica storia d’amore e d’amicizia di Giuseppe Tornatore nel nostalgico Cinema Paradiso, che celebra la magia del cinema attraverso gli occhi di un ragazzo cresciuto in un piccolo villaggio siciliano. Poi c’è anche Leonardo Sciascia, che con i suoi magistrali romanzi affronta i temi della politica e dell’ingiustizia come solo una mente siciliana può fare. E non dimentichiamo l’iconica cucina siciliana, che ha a sua volta ispirato innumerevoli poesie e poemi in lode dei suoi sapori e dei suoi aromi! Non c’è da stupirsi che la Sicilia sia diventata una fonte di fascino per gli artisti di tutto il mondo.

Le civiltà che hanno cambiato la cultura e la cucina della Sicilia

La Sicilia è un tesoro di culture e non c’è da stupirsi che la cucina dell’isola sia stata plasmata dalle numerose civiltà che l’hanno attraversata. Dai Greci ai Romani, dagli Arabi ai Normanni, ogni gruppo ha portato in Sicilia sapori e metodi di cottura unici. I Greci, ad esempio, hanno introdotto olive, uva e miele, mentre gli Arabi hanno lasciato un’eredità di deliziosi dolci e salati. E non dimentichiamo i Normanni, che hanno portato in tavola formaggi, cucciddati e timpani. Con una storia così ricca di influenze culinarie, la cucina siciliana è a dir poco straordinaria!

I più antichi ristoranti barocchi della Sicilia

I più antichi ristoranti barocchi della Sicilia sono uno spettacolo da vedere. Non solo sono ricchi di storia e cultura, ma offrono anche un’esperienza culinaria diversa da qualsiasi altra. Dall’arredamento mozzafiato ai piatti appetitosi, questi ristoranti sono davvero una festa per tutti i sensi. Che siate buongustai esperti o semplicemente alla ricerca di un’esperienza culinaria unica, i ristoranti barocchi più antichi della Sicilia vi lasceranno sicuramente abbagliati e soddisfatti. Allora, cosa state aspettando? Prendete una sedia, immergetevi nell’atmosfera e preparatevi a gustare i sapori della ricca storia della Sicilia.

Chi ha influenzato gli architetti della Sicilia

Preparatevi a rimanere a bocca aperta mentre approfondiamo la ricca storia architettonica della Sicilia e le menti brillanti che hanno lasciato il loro segno sull’isola. Dagli imponenti templi greci agli splendidi palazzi arabo-normanni, l’architettura siciliana è una festa per gli occhi che lascia a bocca aperta. Ma chi sono le menti che hanno creato queste strutture impressionanti? La risposta sta nella fusione di varie culture e nell’influenza di innumerevoli governanti nel corso della storia. Nomi come Federico II di Svevia, Re Ruggero II e Re Guglielmo II sono solo alcuni dei tanti architetti che hanno trasformato la Sicilia nel magnifico tesoro architettonico che è oggi. Viaggiamo attraverso i secoli, scoprendo i segreti degli architetti siciliani e le loro notevoli eredità.

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1. Scegliere un argomento specifico: La storia dell’arte italiana è vasta e variegata e può essere difficile restringere l’argomento. Iniziate scegliendo un’area specifica dell’arte italiana che vi interessa. Potrebbe trattarsi di un particolare artista, periodo o stile artistico. La ricerca di questo argomento vi aiuterà a perfezionare la vostra attenzione e a sviluppare il vostro saggio.
2. Ricerca sull’argomento: Una volta scelto l’argomento, è importante condurre una ricerca approfondita. Assicuratevi di documentarmi sull’argomento scelto, prendendo appunti lungo il percorso. Prestate particolare attenzione ai dettagli, che saranno fondamentali nella stesura del vostro saggio.
3. Creare una scaletta: La creazione di uno schema è una parte essenziale della stesura di qualsiasi saggio e vi aiuterà a rimanere organizzati e sulla buona strada. Iniziate scrivendo una dichiarazione di tesi, che dovrebbe delineare l’argomento principale del vostro saggio. Quindi, elencate i punti principali a sostegno della vostra tesi. Questo vi aiuterà a strutturare il vostro saggio e a garantire che tutti i vostri punti siano presentati in modo chiaro.
4. Scrivere il saggio: Una volta che avete il vostro schema e il materiale di ricerca, è il momento di iniziare a scrivere il vostro saggio. Iniziate introducendo il vostro argomento e la vostra tesi. Quindi, scrivete il corpo del saggio, che deve includere prove e analisi a sostegno della vostra tesi. Infine, concludete con una conclusione che riassuma i vostri punti principali.
5. Modificare e correggere: Prima di inviare il saggio, è importante modificare e correggere il lavoro. Assicuratevi di controllare eventuali errori ortografici o grammaticali e assicuratevi che la vostra argomentazione sia esposta in modo chiaro.

Scrivere un saggio di storia dell’arte italiana personalizzato può essere un compito impegnativo, ma anche un’esperienza incredibilmente gratificante. Con un’adeguata preparazione e ricerca, è possibile creare un saggio informativo e accattivante. Iniziate oggi stesso a esplorare la ricca storia e cultura dell’Italia attraverso la lente della sua arte.

Esplorare la ricca storia dell’arte italiana: Un saggio di scrittura personalizzato 

La storia dell’arte italiana è ricca, ed è una storia che è rimasta vibrante e influente per secoli. Dal Rinascimento al Barocco, l’arte italiana è stata una pietra miliare del mondo dell’arte, ispirando innumerevoli opere e influenzando i movimenti artistici contemporanei e moderni. In questo saggio https://essayservice.net/history-essay-writing-service.html esploreremo le molte sfaccettature dell’arte italiana, dalla sua varietà di stili al suo impatto sul mondo dell’arte.

Per cominciare, è importante comprendere i vari stili dell’arte italiana che sono stati creati nel corso della sua storia. Durante il Rinascimento, la pittura e la scultura fiorirono in Italia e molti artisti, come Michelangelo, Raffaello e Leonardo da Vinci, crearono capolavori che continuano a ispirare e influenzare l’arte ancora oggi. Seguì il periodo barocco, con un approccio più drammatico e teatrale alla pittura e alla scultura. Pittori come Caravaggio, Annibale Carracci e Guido Reni crearono opere caratterizzate da emozioni intense, colori vividi e composizioni sorprendenti.

Come scrivere un saggio sull’arte italiana coinvolgente e personalizzato 

Quando si scrive un saggio sull’arte italiana, è importante coinvolgere il lettore fin dall’inizio. A tal fine, è possibile fornire un contesto sulla storia dell’arte italiana e mettere in evidenza alcune delle opere d’arte più famose che sono state realizzate in Italia.

L’arte italiana ha una storia lunga e ricca, che risale alle antiche civiltà romane e greche. Alcune delle opere più famose dell’arte italiana sono il David di Michelangelo, la Gioconda di Leonardo da Vinci e la Nascita di Venere di Botticelli.

Fornendo al lettore alcune informazioni di base sull’arte italiana e mettendo in evidenza alcune delle sue opere più famose, si può contribuire a coinvolgere nel saggio fin dall’inizio.

Scoprire la diversità dell’arte italiana attraverso la saggistica

Il patrimonio culturale e artistico dell’Italia è tra i più ricchi e diversificati al mondo e abbraccia secoli di espressione creativa e innovazione. Dal Rinascimento e dal Barocco al periodo moderno e contemporaneo, la diversità dell’arte italiana è sorprendente.

Questo saggio esplorerà la diversità dell’arte italiana attraverso la scrittura di saggi, evidenziando vari movimenti artistici e stili artistici. Considereremo i contributi di importanti artisti italiani ed esamineremo la loro influenza sullo sviluppo dell’arte in Italia. Esploreremo anche le varie influenze sull’arte italiana, dalla religione, alla politica, alla cultura e alle mutevoli norme sociali dell’epoca.

In conclusione, questo saggio ha esplorato la diversità dell’arte italiana attraverso la saggistica, evidenziando i vari movimenti e stili artistici emersi nel corso dei secoli. Dal Rinascimento al periodo contemporaneo, l’arte italiana è stata plasmata da una varietà di influenze, dalla religione e dalla politica alle mutevoli norme sociali del tempo. Guardando al futuro, è chiaro che la creatività e l’innovazione dell’arte italiana continueranno a ispirare e affascinare le generazioni a venire.

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Il desiderio di bellezza è un fenomeno naturale che accompagna la persona per tutta la vita. L’arte contribuisce alla distrazione, al piacere estetico e alla creatività. Nel trambusto della vita quotidiana, le persone vogliono godere della bellezza e abbracciare la cultura. Per molti l’arte è un hobby, ed è per questo che questo pubblico è particolarmente propenso a partecipare a eventi a tema. 

L’arte esiste da sempre, da quando esiste la storia dell’uomo. Architettura, monumenti, dipinti, musica, ecc. – sono tutti molto apprezzati. Le collezioni sono solitamente ospitate in gallerie e musei. Tutti conoscono i grandi musei come il Louvre o l’Hermitage. Non si può comprare qualcosa da un’istituzione pubblica, ma si può prendere da una collezione privata. Ecco perché anche i musei privati sono molto popolari.

Qual è l’altra differenza? Nei musei tradizionali tutto è chiaro, in tempi diversi sono stati portati dei reperti e ora tutti possono vederli. Tutto ciò che si deve fare è pagare un biglietto d’ingresso. I musei privati sono solitamente chiusi. Sono visitati solo da una ristretta cerchia di persone. Tuttavia, non è raro che gli imprenditori aprano musei privati, vendano i biglietti a tutti e ne traggano profitto. Non è vietato dalla legge, quindi è una buona opzione per ottenere un reddito aggiuntivo. Soprattutto se voi stessi non siete indifferenti alla storia. 

Ai musei siamo abituati fin dall’infanzia: a scuola c’erano materie che aiutavano a conoscere le opere d’arte. Nel tempo libero siamo stati accompagnati in vari musei. Soprattutto per imparare qualcosa di nuovo, per essere arricchiti spiritualmente e ispirati. I musei sono spesso realizzati in luoghi in cui è accaduto qualcosa di significativo. Ad esempio, dove ha vissuto un personaggio famoso. 

Per cominciare, è bene dire che esistono organizzazioni commerciali e non commerciali. I primi cercano di trarre profitto dalle loro attività. Questi, di norma, sono musei di proprietà di un imprenditore privato. In sostanza, non c’è motivo di operare senza realizzare un profitto.

Le opere d’arte sono costose; alcune mostre hanno il valore di interi musei. Se nel vostro spazio culturale ci sono oggetti costosi, sarà più difficile trovare un acquirente, ma tali musei sono più preziosi. Di conseguenza, attirano più visitatori. Ovviamente, solo chi non ha un’attività principale si azzarda a fare un acquisto del genere. 

Potete creare un Museo della pianta, una galleria d’arte o anche un Museo dei francobolli che collezionava vostro nonno. Gli oggetti d’antiquariato sono sempre interessanti e la loro vendita può essere redditizia.

L’importante è avere qualcosa di unico e interessante. Ad esempio, se avete un museo di carte di caramelle moderne, è improbabile che attiri un nuovo pubblico su base regolare. Ma se gli involucri risalgono a 100 anni fa, la cosa è molto più interessante, perché ora non è più possibile trovarli. È unico e così desiderabile.

Prima di vendere, dovete mettere in evidenza i vantaggi del vostro museo: cosa lo rende diverso dagli altri, quali sono le particolarità delle esposizioni, cosa si può guardare, ecc. Voi, in quanto proprietari, sapete meglio di chiunque altro quali sono gli altri vantaggi. Devono essere comunicati ai potenziali acquirenti con la massima precisione. 

In questo modo la persona capirà cosa sta acquistando, perché vale i suoi soldi e cosa può fare. È nel vostro interesse aiutarlo con consigli e opportunità, in modo che veda il vostro interesse e la vostra affidabilità e vi scelga. 

Le ragioni della vendita possono essere molteplici:

• avete urgentemente bisogno di denaro;
• non siete più interessati all’attività;
• nessuna risorsa da mantenere;
• in movimento, ecc.

I musei e le gallerie sono acquisti per l’anima, quindi non c’è bisogno di cercare di inventare qualcosa. Nessun problema legale? Nessun debito? Tutti gli oggetti esposti sono di valore? Allora si troverà rapidamente un acquirente. Non pensate che nessuno sia interessato alla vostra collezione. Gli intenditori non mancano mai. Anche se il museo è in perdita, un futuro proprietario può dargli nuova vita. 

Alcuni cercano un museo per fare soldi, altri per godersi la collezione che possiedono da soli. Tenete presente che, una volta venduti, non avrete alcun controllo sul destino della vostra prole. 

Se volete vendere attività lavostrane, prima di tutto offritela ai vostri amici. Spesso è più facile trovare un accordo con gli amici. È anche un’opzione che non richiede tempo o denaro. Forse si troverà un acquirente nella vostra cerchia.

Un altro consiglio: mettete un valore adeguato che corrisponda alla realtà. Le persone stanno attraversando un periodo difficile e stanno risparmiando su molte cose. Per vendita attività commerciali moafacilps e veloce, bisogna essere realistici e non barare.

Se l’attività non è redditizia, la cosa migliore da fare è mettere un annuncio su https://business-asset.com/. Oggi le persone cercano letteralmente di tutto su Internet, quindi è indispensabile che mettiate in giro il vostro annuncio. E spendere soldi e sforzi per servizi poco conosciuti che non consigliamo. È meglio rivolgersi subito a un sito collaudato dove le persone vendono con successo le loro attività da molti anni. 

https://business-asset.com/ è proprio il portale specializzato nella vendita di aziende. Qui non ci sono persone a caso, un pubblico affidabile e solvibile. La risposta dei potenziali acquirenti non si farà attendere a lungo. 

Vendere la propria attività – non è difficile se si sa come e dove. Aprite il sito, scrivete il vostro annuncio su un modello e attendete le richieste dei potenziali acquirenti. Buona fortuna!

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Molte altre vite dei santi orientali si diffusero in Occidente attraverso i greci dell’Italia meridionale. Nel XIII secolo. la gente comune in Puglia e Calabria parlava ancora greco; c’erano anche monasteri greci; nella regione di Otrant, il poeta Nektarios (+ 1235) era l’abate di uno di loro. Dal IX secolo. Inizia l’influenza araba.

Alla corte di Federico, ha influenzato non solo il lusso squisito e le usanze orientali, ma anche una conoscenza dell’educazione araba. Anche prima, “Ottica” di Tolomeo era stata tradotta dall’arabo; Michael Scott (nato nel 1195) introdusse per primo l’Europa ad Aristotele traducendo le sue opere dall’arabo al latino; nel 1232 queste traduzioni furono introdotte nelle università italiane. Molti libri di medicina e matematica sono stati tradotti anche dall’arabo. La terza influenza nel circolo letterario di Friedrich fu provenzale. I trovatori di Provenza sono apparsi da tempo in Italia; sono stati accarezzati dal cortile del markgr. Monferrato e Conti d’Este. Dopo la guerra albigese, soprattutto molti trovatori si riversarono in Italia e in altri paesi vicini. In giro per il mondo, intervenivano spesso in politica: ad esempio Pierre Vidal scriveva contro Genova e l’imperatore Peir Guillem de Lucerne incitava Federico contro Milano.

Avvicinando a sé i trovatori, Federico aveva in mente obiettivi non solo letterari, ma anche politici: gli giovava sostenere quei trovatori che, irritati dalla guerra albigese, erano in inimicizia con il papa, come, ad esempio, Guillam Figueira. C’erano allora molti trovatori italiani che scrivevano in provenzale: Albert Malaspina, Romberto Buvalello, Ferrari, Sordello, cantati da Dante in Purgatorio.

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Il razionalismo si manifestò nel Gruppo 7 e nel MIAR (1926), ma dopo lo scioglimento del gruppo emersero figure isolate Giuseppe Terragni (Casa del Fassier a Como), Adalberto Libera (Villa Malaparte a Capri) e Giovanni Michelucci (Stazione di Firenze Santa Maria Novella , in collaborazione). Durante il periodo fascista, il più fortunato fu il cosiddetto “Novecento” (Gio Ponti, Pietro Ashtieri, Giovanni Musio), dal quale ricevette, dopo la riscoperta della Roma imperiale, il neoclassicismo semplificato di Marcello Piacentini, autore di diversi trasformazioni urbane in varie località italiane ed è stata ricordata dalla controversa Via della Conciliazione a Roma.

Il secondo dopoguerra fu caratterizzato da diversi talenti (Luigi Moretti, Carlo Scarpa, Franco Albini, Gio Ponti, Tomaso Buzzi, ecc.), Ma gli mancava un’unica direzione. Pier Luigi Nervi, con le sue audaci strutture in cemento armato, si è guadagnato una fama internazionale ed è stato un esempio per Riccardo Morandi e Sergio Musmechi. In una stagione animata da interessanti dibattiti guidati da critici come Bruno Zevi, ha prevalso il razionalismo e una delle opere paradigmatiche rinvenute alla stazione Termini di Roma. Il neorealismo di Michelucci, Carlo Aimonino, Mario Ridolfi e altri (quartiere INA-Casa) è stato seguito da Neoliberti (ritrovato nei primi lavori di Vittorio Gregotti) e Brutalismo (Torre Velasca di Milano del gruppo BBPR, edificio residenziale in Via Piagentina a Firenze, di Leonardo Savioli, opera di Giancarlo de Carlo).

Le Corbusier (progetto per un ospedale a Venezia) e Frank Lloyd Wright (progetto per una casa sul Canal Grande, sempre a Venezia) non costruirono nulla in Italia, e Alvar Aalto (Chiesa dell’Assunta a Riola di Vergato) Kenzō Tange (Torri della Fiera di Bologna, piano Centro Direzionale di Napoli) e Oscar Niemeyer (sede Mondadori di Segrate).

Nel 1980, nell’ambito della Biennale di Venezia, nasce il settore architettura, con la nomina di Paolo Portogesi alla direzione. In questa occasione nasce Novissima Road, ideata da Costantino Dardi e, su richiesta di Paolo Portogesi, Aldo Rossi realizza il Teatro della Pace, un teatro galleggiante e itinerante che percorre i canali di Venezia. Aldo Rossi, il primo italiano a vincere il Premio Pritzker, è stato senza dubbio uno degli architetti italiani più influenti della nuova generazione. Lo scrive Raphael Moneo:

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Lo stile Art Nouveau fu portato in Italia da figure come Giuseppe Sommaruga ed Ernesto Basile (che rispettivamente progettarono Palazzo Castiglioni e ampliarono Palazzo Montectorio a Roma). Le idee per questo nuovo stile furono pubblicate nel 1914 nel Manifesto dell’Architettura Futurista di Antonio Sant’Elia. Il razionalismo si ritrovò all’interno del Gruppo 7 (1926), ma dopo lo scioglimento del gruppo i suoi personaggi di spicco Giuseppe Terragni (Casa del Fascio Como), Adalberto Libera (Villa Malaparte a Capri) e Giovanni Michelucci (stazione Santa Maria Novella a Firenze, in collaborazione ). Durante il periodo fascista fiorì il cosiddetto movimento del “Novecento”, con figure come Gio Ponti, Peter Ashkeri, Giovanni Muzio. Questo movimento si basava sulla riscoperta della Roma imperiale. Piacentini, che fu responsabile delle trasformazioni urbane di diverse città italiane, e ricordò, sulla controversa via della Conciliazione a Roma, sviluppò una forma di “neoclassicismo semplificato”.

Carlo Scarpa realizzò importanti progetti modernisti in Veneto e Venezia. Le Corbusier e Frank Lloyd Wright non hanno costruito nulla in Italia, a differenza di Alvar Aalto (Chiesa dell’Assunta a Riole, Vergato), Kenzo Tange (Torri della Fiera di Bologna, piano del Central Business District (CDN) di Napoli) e Oscar Niemeyer (Mondadori House di Segrate) . Lo stile postmoderno nell’architettura previsto da Paolo Portogesi c. 1960, può essere visto al Teatro del Mondo, costruito da Aldo Rossi per la Biennale di Venezia del 1980.

Il razionalismo ha influenzato anche il modernismo nell’architettura italiana. In particolare, questo spirito progettuale ha riconciliato gli ideali estetici moderni con la religione, poiché questo particolare motivo non era ostile alle priorità degli architetti italiani contemporanei. Ciò ha dato origine alla cosiddetta spiritualità secolare – un elemento del modernismo italiano che si concentra sul concetto di razionalismo illuminato. Un altro aspetto del modernismo italiano è la varietà di interpretazioni in relazione a come viene vissuta la modernità. Ad esempio, le regioni settentrionali hanno interpretato il design straordinario come un rifiuto della cultura e dello stile.

L’Art Nouveau ha avuto le mostre principali e più originali in Giuseppe Sommaruga ed Ernesto Basile. Il primo era dell’autore di Palazzo Castiglioni a Milano, e il secondo era un’estensione del Palazzo Montecario a Roma.

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Il soggetto della pittura è la bellezza delle creazioni della natura. La creazione più perfetta della natura è l’uomo, e negli appunti di Leonardo alcune sezioni sono dedicate allo studio del corpo umano, alla dottrina delle proporzioni, alle informazioni sull’anatomia, in cui la conoscenza di Leonardo era sorprendentemente profonda. Stabilisce quindi la relazione tra i movimenti del corpo, le espressioni facciali e lo stato emotivo di una persona. Leonardo presta molta attenzione al problema del chiaroscuro, della modellazione volumetrica, della prospettiva lineare e aerea.

Nel campo della scultura, Michelangelo ha espresso idee profonde riguardo al rapporto tra immagine artistica e materia. Ha anche avanzato l’idea del disegno come base formativa per tutti e tre i tipi di arti plastiche: scultura, pittura e architettura. Come prima, le questioni della teoria dell’arte rimasero strettamente associate alle idee umaniste. Nei primi decenni del XVI secolo, un’attenzione particolare nel campo del pensiero umanistico è stata riservata al problema della persona perfetta. Questo argomento è stato considerato, da un lato, in termini di formazione di un tipo di persona, diversificato fisicamente e spiritualmente (così lo ha sviluppato Baldassare Castiglione nel suo trattato sul cortigiano ideale), dall’altro in termini di analizzare le norme del bello applicate alla bellezza fisica di una persona (questo lato sviluppato da Firenzuola in “Trattato sulla bellezza delle donne”).

L’Alto Rinascimento ha portato importanti cambiamenti nel rapporto delle scuole d’arte locali in Italia. La culla di quest’arte, il luogo delle sue origini e la formazione delle sue fondamenta fu Firenze. È qui che iniziarono o si formarono gli artisti Leonardo, Michelangelo e Raffaello. Questo era del tutto naturale, perché l’arte della nuova fase poteva sorgere solo sulla base della più avanzata delle repubbliche italiane. Ma a cavallo tra il XV e il XVI secolo, Roma emerse come un altro importante centro del paese.

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Le canzoni che hanno cantato sono state chiamate laude. I loro autori sono sconosciuti, tranne uno: Fra-Jacopone di Todi. Il suo ascetismo arrivò al punto di cercare tutti i tipi di problemi e difficoltà, ma non gli impedì di prendere una forma nei testi d’amore per esprimere sentimenti mistici. Scriveva nella lingua nazionale, evitando ogni saggezza libresca, sebbene conoscesse il latino ed fosse un avvocato istruito. Le sue visioni francescane estreme lo portarono a confrontarsi con gli elementi più moderati di quest’ordine, attratti da papa Bonifacio VIII. Jacopone combatté contro il papa e compose perfino commedie satiriche contro di lui e l’alto clero. Per questo fu imprigionato e scomunicato. Lauda a volte prendeva la forma di una canzone popolare da ballo (ballata), a volte la forma di una discussione (anima con corpo). Anche queste lodi furono drammatizzate, a Perugia c’era una specie di palcoscenico per loro. Sono visti come la cellula da cui si è sviluppato il teatro popolare.

In Toscana, alla fine del XIII secolo, apparvero molti poeti, imitatori della “scuola siciliana”. Molti di loro hanno scritto sia provenzale che italiano allo stesso tempo. I testi cavallereschi, trovandosi in un ambiente alieno di comuni urbani, diventano ancora più convenzionali e acquisiscono pretenziosità e manierismo eccessivi: l’arte si riduce a un gioco di parole ea trovare rime difficili. La lingua divenne più libera dal provenzalismo e dalle forme dialettiche. Tra i poeti di questo gruppo, Dante da Maiano è noto per i suoi tenzons, che la scuola siciliana non conosceva. A poco a poco, le stanze di ogni poeta iniziarono ad essere individuate dai tenzoni, e così fu creato un sonetto. Perù Gwittone d’Arezzo possiede la canzone per la Battaglia di Monte Aperto: questa è una delle prime commedie politiche in italiano. Gwittone ha anche scritto molte commedie d’amore che hanno attirato le lodi esagerate di Dante. Le commedie del Compagnetto da Prato richiamano il sapore realistico del fablio e quel particolare tipo di canti semi-popolari che in Francia vengono chiamati canti sulle “donne sposate senza successo”.

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